Des musiques du XXe siècle qui sortent du cadre tonal, métrique et harmonique habituel sont peu abordées en cours de musique à l'école obligatoire. Or, certains concepts qui caractérisent ces matériaux comme la texture ou le plan sonore, sont proches des notions issues des arts visuels. De plus, les influences mutuelles entre les deux formes d'art sont nombreuses pendant cette époque. Comment tirer profit de ces rapprochements pour le travail pédagogique ?
Basée sur des travaux dans le domaine de la musicologie, des sciences cognitives et de la pédagogie musicale, cette thèse a pour but de mieux comprendre le potentiel des transcréations intermédiales pour développer l'écoute de ce répertoire. Axées sur des activités telles que l'interprétation musicale d'un tableau ou la représentation visuelle d'une musique, des séquences d'enseignement de 3 à 6 leçons ont été réalisées par cinq enseignant.e.s en formation dans leurs classes de stage (élèves de 11 à 15 ans).
Les trois projets (Ad Parnassum d'après Iris Szeghy et Paul Klee, Action painting &free jazz d'après Jackson Pollock et Omette Coleman et Thirty d'après Vassily Kandinsky) abordent différentes manières de mettre en relation la musique et les arts visuels. Présentés sous forme d'étude de cas, ces exemples de travail pédagogique permettent de montrer les avantages et limites des transcréations intermédiales pour favoriser l'apprentissage musical dans les cours de musique à l'école obligatoire.
L'analyse des stratégies de transcréation utilisées par les élèves et les enseignant.e.s met en évidence l'importance des niveaux de connexion entre le sonore et le visuel. Pour les décrire, nous proposons de distinguer entre analogies de surface et homologies d'expérience. Les résultats sont présentés sous forme d'outil de conception et d'analyse de ces activités, destiné avant tout aux enseignant.e.s de musique et formateurs/trices d' enseignant.e. s.