Entre les années 1930 et 1970, grâce à une conjoncture sociale, économique et politique particulière, les États-Unis sont devenus une plateforme propice à l’essor des conférences d’artistes. À travers l’étude de plus de cinquante fonds d’archives, cette thèse explore l’adoption par les artistes de cette forme, initialement issue du milieu universitaire, pour partager publiquement leurs idées, et son évolution tout au long du XXe siècle. Cette recherche analyse l’institutionnalisation progressive de cette pratique, qui s’est implantée dans les écoles d’art, musées, universités, clubs d’artistes et studios, et met en lumière le rôle clé de la diapositive – d’abord en plaque de verre, puis sur film 35 mm – dans ce processus.
Loin de se limiter aux discours et projections, ce travail s’intéresse aux espaces et infrastructures qui soutiennent ces événements. En adoptant une approche microscopique, elle étudie l’organisation des présentations dans des lieux prestigieux, en dévoilant les coulisses de la « grande histoire ». Elle explore également à la manière dont ces infrastructures, avec leurs spécificités, ont façonné les relations entre la parole et l’image projetée, et comment ces endroits ont permis aux artistes de s’approprier la conférence avec diapositives, en en faisant une pratique personnelle, distincte de celle de l’académie.
Cette thèse retrace l’évolution des conférences d’artistes en se concentrant sur cinq espaces emblématiques de l’art et du design aux États-Unis, principalement à New York, mais aussi ailleurs. Ces lieux – l’auditorium du Museum of Modern Art, le campus du Black Mountain College, le club d’artistes Artists’ Club à travers le cas des projections d’Ad Reinhardt, le bureau des designers Charles et Ray Eames, et l’amphithéâtre de la School of Visual Arts – illustrent la diversité des espaces où se déroulent ces pratiques, allant de l’institution éducative et culturelle aux espaces privés de travail et de sociabilité, tout en offrant une riche documentation sur l’usage des diapositives.
Cette recherche invite à considérer les conférences d’artistes non seulement comme des interventions individuelles, mais comme des événements inscrits dans un contexte plus vaste, où se croise l’histoire de l’oralité, de l’art, de la photographie, des collections visuelles et des infrastructures éducatives et muséales. Elle propose également de réfléchir aux transformations de l’enseignement artistique, des pratiques orales et visuelles, et aux mutations des institutions culturelles. Ce travail met en lumière le rôle central des diapositives et des conférences dans la redéfinition des relations entre artistes et publics, en particulier à travers des approches collaboratives et participatives. Enfin, il examine l’impact de ces évolutions sur la production, la diffusion et l’archivage des œuvres, ainsi que sur la manière dont l’art et la mémoire visuelle sont créés et transmis.